Выставки

В европейской культурной традиции лес нередко становится пространством утраты привычных ориентиров, испытания и внутреннего преображения героя. Наполненный магической силой, он полон сумрачных оврагов, топких болот и непроходимых зарослей, среди которых можно заблудиться и встретить свою погибель или преодолеть препятствия и обрести силу.

Выставка обращается к архетипическому образу лесной чащи и переосмысляет его как метафору человеческих переживаний и поисков. Путь через дебри символизирует погружение в себя и попытку различить то, что скрывается в пуще: наши страхи, желания, забытые воспоминания и мечты.

Подобно заколдованному лесу, ча-ща окутывает нас волшебным туманом и создаёт впечатление, что всё вокруг имеет узнаваемые очертания. Однако это ощущение обманчиво: опушка, будто знакомая с детства, вдруг кажется чужой, а тропы, словно не раз исхоженные, — приводят совсем не туда, куда, казалось, должны были привести. Чем дальше мы заходим в лес, тем больше неведомого открывается под привычным обликом вещей.

Главное правило ча-щи: из неё не нужно пытаться сбежать — чем настойчивее мы отворачиваемся от того, что встречается на пути, тем крепче лес удерживает нас на месте, словно в кошмарном сне. Нужно продолжать идти, позволять тропам уводить нас всё глубже и внимательно всматриваться в то, что проступает в глуши. Так сквозь дремучие заросли может появиться свет путеводной звезды, указывающий дорогу к замку — крепости, способной стать укрытием и опорой.

Художники: Aнатолий Акуе (Akue), Юлия Бариева, Настя Баринова, Василиса Лебедева, Андрей Макалкин, Ирен Мусина, Слава Нестеров, САМУИЛ, Мария Тихонова, Тимур Этот.

Ча-ща

Выставка Уходящий зеленый — тотальная инсталляция, погружающая в состояние светлой грусти по уходящему лету, ностальгии по детству, которое обязательно заканчивается.

Художница опирается на эссе Рёко Секигути «Нагори. Тоска по уходящему сезону» — размышление о смене сезонов и особом чувстве, возникающем в момент, когда что-то завершается, но еще продолжает ощущаться. Нагори обозначает след уходящего сезона: его вкус, запах, цвет, телесное ощущение, которое остается с нами. Это состояние особенно хорошо знакомо в конце лета, когда воздух становится прохладнее, зелень темнее, дни короче, а привычный ритм постепенно меняется.

Катя выбирает оттенок зелёного, находящийся на границе между летней насыщенностью и осенней прохладой. Зеленый цвет также ассоциируется у художницы с ее родным городом — Саровом — закрытым маленьким городом, который она называет город-лес. Возвращаясь домой, она вновь оказывается среди зелени, улиц, знакомых мест, и в этом возвращении возникает особое переживание времени: город словно сохраняет ту версию её самой, которая когда-то отсюда уехала.

В серии работ Кати Рыбловой запечатлены родные для художницы места, однако они намеренно лишены четкости: контуры растворяются, детали превращаются в цветовые пятна, а пейзаж становится почти абстрактным. Такой прием передает сам принцип работы памяти, когда со временем конкретные образы теряют первоначальную ясность, детали стираются, а от места остаётся скорее общее ощущение, чем точное изображение.

Зеленый цвет становится эмоциональным проводником между состоянием уходящего лета и воспоминаниями о родном городе и детстве, которое неизбежно заканчивается. Цвет постепенно выходит за пределы изображений и распространяется на само пространство выставки: цвет охватывает стены, пол, мебель, отдельные элементы среды.

Выставка предлагает задержаться в состоянии, которое не пытается вернуть прошлое, а позволяет еще некоторое время оставаться в настоящем. У каждого оно может быть своим. Запахом места, в котором больше не живёшь. Вкусом сезонного фрукта, который вот-вот исчезнет. Улицей, по которой когда-то ходил каждый день. Человеком, которого больше нет рядом. Периодом жизни, подходящим к рубежу, но еще не завершенным.

Уходящий зеленый. Персональная выставка Кати Рыбловой

Чувствительность и ранимость нередко воспринимаются как «избыточность» — как нечто, что стоит контролировать или скрывать. Упрек в «слишком» заставляет сомневаться в собственном восприятии и искать внешнее подтверждение своим переживаниям. Эмоциональная открытость оказывается стигматизированной, а ее кажущаяся «чрезмерность» подлежит осуждению или отторжению.

Ева Гец в своих работах выстраивает альтернативу этой логике. Художница исследует состояния внутреннего напряжения и одиночества, возникающие в мире, где агрессия стала повседневным фоном. Практика Евы строится на романтизированных образах: ироничных, нежных, дерзких и хрупких. Ева Гец обращается к девичьей эстетике и розовой палитре — кодам, которые массовая культура склонна считать инфантильными. Ева сознательно усиливает эти маркеры и доводит их до предельной концентрации, тем самым смещая представление о допустимых границах проявления уязвимости.

Пространство выставки выстроено как комната девочки-подростка. Тема подросткового возраста выбрана здесь не случайно — она олицетворяет состояние предельной эмоциональной восприимчивости, когда чувства переживаются без защитных фильтров. Экспозиция не обращается к ностальгии зрителя, а помещает его в среду, где уязвимость становится основой визуального языка. Розовые стены, мягкие поверхности, декоративная избыточность превращают интерьер в эмоциональную сцену, где чувства получают право на проявление. Доведенная до предела эстетика «нежного» выступает здесь как форма сопротивления.

В этом контексте уязвимость предстает не как слабость, а как сознательно выбранная эстетическая и этическая позиция. Выставка приглашает зрителя не только к наблюдению, но и к погружению в пространство, где чувствительность не требует оправдания, а ранимость выступает формой силы, которая не противостоит мягкости, а вырастает из неё.

Этот мир слишком жесток —
или я слишком ранима? Персональная выставка Евы Гец

Персональная выставка Кати Попченко вдохновлена игрой Snakes & Ladders
и предлагала зрителям пройти своеобразную игру в пространстве Cube.Moscow.

Выставка обращается к феномену иллюзорности выбора, ставя под сомнение саму идею безусловно верного или ошибочного решения. Зрителям предстоит пройти по пространству, сталкиваясь с магическими объектами
на своем пути. Все предметы хранят
в себе секретную силу и являются своеобразными трикстерами.

Игра становится запутанной головоломкой, в которой участникам предстоит делать выбор на каждом шагу, но в этой игре «выбор» подобен броску кубика — каждый следующий шаг будет либо удачным совпадением, либо роковой ошибкой.

Don't Get Eaten by a Snake
Персональная выставка
Кати Попченко

Выставка «Пора возвращаться домой» обращается к переосмыслению понятия дома в условиях экономической и информационного перегруза. Поток образов роскошного жилья формирует иллюзию его доступности, обнажая разрыв между воображаемым и реальным опытом.

Ключевым элементом проекта становится пространство: общественное кафе трансформируется в подобие домашней столовой. Вместо привычной рассадки был поставлен один общий стол, задающий новую модель взаимодействия. Этот жест превращает пространство в активного участника высказывания и одновременно — в приглашение к объединению.

Стол символизировал место, где создаются воспоминания и укрепляются связи между людьми.

Пора возвращаться домой
Персональная выставка
Кати Афониной

Анастасия Антипова исследует природу разобщенности, отчужденности и дистанции в обществе. В центре внимания выставки — страхи и смятение, возникающие при сближении, а также необходимость преодоления себя ради близости с другими людьми.

Выставочный зал, полностью завешанный белыми тканями, становится метафорой поднебесного пространства — точки наблюдения, из которой открывается взгляд на человеческие отношения и их разрывы. Ангелы становятся ключевыми героями выставки: они не только фиксируют происходящее, но и спускаются на землю, пытаясь восстановить утраченные связи между людьми.

Выставку пронизывает спортивная символика как идея преодоления себя в попытках сблизиться с другими. Награды в данном контексте присуждаются не за общепризнанные достижения, а за шаги, сделанные на встречу друг к другу.

Художница предлагает зрителям пространство для размышления о разобщенности и указывает на возможность ее преодоления.

Не смотреть под ноги, а смотреть на небо. Персональная выставка Анастасии Антиповой

Катя Рыблова работает с ассоциативной синестезией и темой цвета как исследователь в своем проекте etorgb. Художница исследует влияние цвета на внутренний мир человека, выстраивает собственную методологию выявления и репрезентации взаимосвязей цвета, света и пространства. Художница собирает цвета чувств, явлений, воспоминаний, запахов, а также мест через их идентичность.

Цвет для Кати – это форма коммуникации с внешним миром и людьми:

«Я всегда ищу новые способы погружения в цвет, способы показать каково это – чувствовать цвет, быть в нем».

Выставка «Не слишком ли уединенно? Нет, достаточно» – это тотальная инсталляция, которая была посвящена синему цвету и его влиянию на эмоциональное состояние человека. Катя Рыблова воплощает свою потребность в уединении и превращает пространство в безопасное место, приглашая посетителей выставки присоединиться и прочувствовать цвет и его влияние на них.

В полностью синем пространстве на стенах были размещены зеркала с фразами и вопросами к зрителям, побуждающими выстроить внутренний диалог и замедлиться.

Не слишком ли уединенно?
Нет, достаточно. Персональная выставка Кати Рыбловой

В творчестве Дины Боровик одним из ключевых героев является динозавр как символ исчезнувшего навсегда. В этом проекте таким «динозавром» стали хрущевки, эпоха которых стремительно подходит к концу. Художница создала мир, в котором все вымершие существа
и исчезнувшие объекты встретились в одном месте и начали жить совместно, создавая фантазийную экосистему поднебесной жизни.

Выставка превратилась в воображаемую зону перехода — простран-ство, где хрущевки, как когда-то динозавры, нашли свое место в загробной утопии. Возможно, это и есть их рай — нематериальный, но наполненный памятью и теплом. Это не просто рассказ о городской трансформации. Это размышление о том, как уходит эпоха. И о том, как даже самое будничное может оказаться ценным — тогда, когда приходит время прощаться.

Хрущевки тоже попадают
в Рай. Персональная выставка
Дины Боровик

Комната коллекционера — это выставка личной коллекции, которая принадлежит вымышленному персонажу. Комната стала не только отражением личности ее “хозяина”, но и отдельным магическим пространством, в котором произведения искусства периодически менялись местами с предметами интерьера, принимая их облик. Работы, представленные в пространстве были дополнены историями их приобретения, небольшими заметками, придуманными искусственным интеллектом.

В основу проекта легло утверждение о том, что произведения искусства формируют портрет своего владельца. Выставка исследует, как дополнительный контекст влияет на восприятие работ, постепенно смещая их значение и размывая границу между независимым произведением и элементом личного пространства.

Художники: Людмила Баронина, Дмитрий Булныгин, Екатерина Герасименко, Виктор Жданов, Вероника Ивашкевич, Людмила Константинова, Гоша Острецов, Василиса Палянина, Игорь Поносов, Юлия Шафаростова, Zoika х Галерея Пальто

Произведения для экспозиции предоставили сами авторы, а также галереи: Syntax Gallery, Пальто, НИША, Alisa Gallery, reka gallery.

Комната коллекционера